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    4 records in this category

    1. O impacto da Anitta com dois T

      Reprodução/Hugo Gloss
       
      Ousada, rebelde e destemida. Essas são algumas das características de Larissa Macedo de Machado, ou melhor dizendo, a Anitta.

      Anitta caminhava em todos os paredões de 2000 como uma MC desconhecida pelo público, numa mistura de Perlla e Kelly Key. Aos poucos, falar de homens e quadradinho angariou a garota de Honório Gurgel para outros ares: a fama. 

      O peso de Anitta logo se tornou emblemático depois lançamento do seu primeiro álbum "Anitta" com o arsenal de hits, dentre o mais notável o "Show das Poderosas". Aos mais pessimistas, Anitta era apenas um momento passageiro. Aos otimistas, a funkeira veio para ficar no topo. O final disso tudo? Ainda não há, mas nessa trama Anitta ainda continua dominando o Brasil.

      Sua ambição não a permitiu apenas viver na terra tropical. Ela queria mais, ela quer mais. Deu certo. Hoje, a ex MC de uma comunidade carente é um expoente no México, EUA e agora seu último alvo a Itália. 
       
      Entretanto, nem tudo são mil maravilhas. A fórmula de ser uma estrela da música também tem em seu ingrediente as polêmicas e com a Anitta não é diferente. Sua lista é cercada de artistas como: Ludmilla, Pablo Vittar, Maluma, Iggy Azalea, Simaria... aqui faço uma pausa, pois são milhares e o texto não teria espaço. 
       
      Aqui, vale reacender a discussão: o peso de ser uma diva a fez esquecer suas origens e, melhor afirmando, a fez pecar pela falta de humildade na trilhada rumo à fama?
       
      Amada e odiada como a personagem da Mel Lisboa na produção da platinada, a Anitta é um fenômeno a nível internacional. Ela é o veneno do México, a poderosa do Brasil e a Paloma da Itália.
       

      Reprodução/Instagram
       
      Enquanto Lula entrava no poder, Anitta era o furacão 2000. Brasil perdeu de 7x1 contra Alemanha, mas Anitta continuou cantando. Enquanto o Brasil sediava as Olimpíadas de 2016, Anitta abria cantando "Isso aqui, o que é?" com Gilberto Gil e Caetano Veloso. Anitta cantou quando Bolsonaro era eleito e deu voz a omissão, seguindo de revolta contra o governo. Em suma, a influência dela não perpassa o meio musical, mas também o político.
       
      O impacto de Anitta é uma mistura de ritmos, composições e polêmicas. Não é só um pente, a malandra veio jogar na nossa cara que é um fuego para milhares de admiradores. Essa é a Anitta com dois T.
       
       


      • Wez
      24 comments
      723 views
    2. LANA DEL REY: 1 ano de ''Norman Fucking Rockwell!'', seu 5° álbum

      Lançamento: 30 de agosto de 2019.
      Gravado entre: 2017- 2919.
      Duração: 1h e 7 mins.
      Gênero: Rock Psicodélico, Indie Rock, Soft Rock, Dream Pop, Folk Rock & Trip Hop.
      Gravadora: Polydor & Interscope.
       
       
      Lana trabalhou no álbum desde dezembro de 2017, com o colaborador e produtor Jack Antonoff. Ela disse que o álbum pode ser lançado no primeiro trimestre de 2019, depois de publicar um pequeno livro de poesia em que ela está trabalhando, intitulado ''Violent Bent Backwards Over The Grass''. Del Rey mencionou que o novo álbum faz experiências com elementos de surf, guitarras elétricas e sons de Laurel Canyon, acrescentando que ela foi inspirada pela banda americana Red Hot Chili Peppers.
       
      Lana falou sobre a história / inspiração por trás do álbum e sua faixa-título durante sua entrevista com Zane Lowe do Beats Radio 1: "Chama-se Norman Fucking Rockwell!, era o título do álbum desde março. Quero dizer, trabalhando com Jack, eu estava um pouco mais desanimado, porque ele é tão engraçado, então a faixa-título e é sobre esse cara que gosta, ele é um artista tão genial, mas acha que é a merda e ele sabe disso e como se não calasse a boca a falar sobre isso. A narrativa continua e continua. É tão incrível que acabei sendo criativo em uma história de tubulação ou algo assim. Eu gosto tanto da faixa-título, que fiquei tipo 'Ok, definitivamente quero que o álbum se chame assim'."
       
      A capa do álbum, filmada pela irmã de Lana, Chuck Grant, é distinguível das obras de arte anteriores da cantora de várias maneiras. Primeiro de tudo, finalmente quebrou a tradição de imaginá-la em roupas brancas e um carro à vista. Desta vez, Del Rey está em um barco com o ator Duke Nicholson, neto de Jack Nicholson e um amigo das irmãs Grant, como se ele encarnasse 'Norman Rockwell'. Em uma entrevista ao 104.3 MYfm, Lana explicou que Duke era alguém que ela sabia que "se sentiria confortável no barco" e concordou que queria uma contraparte masculina para a sessão de fotos. Outra coisa que faz diferença é a nova fonte Biff Bam Boom usada tanto para o título do álbum quanto para o logotipo do LDR. Este logotipo foi encontrado no código fonte do shoplanadelrey.com antes da revelação do álbum.
       
      Curiosamente, a costa ao fundo está queimando. Isso pode se referir aos incêndios na Califórnia em 2018 que se tornaram os mais destrutivos de todos os tempos no estado. Del Rey postou sobre a crise muitas vezes. Lana nunca deu a entender quando a sessão de fotos da capa ocorreu, mas as fotos do evento de gala antes do Grammy sugerem que aconteceu em 9 de fevereiro de 2019.
       
       

      Encarte ''Norman Fucking Rockwell'' - Reprodução / Polydor / Interscope.
       
      Norman Fucking Rockwell / Bartender / Happiness Is a Butterfly
       
      A cor azul é frequentemente associada à tristeza ou depressão, o que sugere que a tristeza desse homem também está afetando Del Rey. Os eventos atuais costumam servir como referência ou inspiração para a arte, e a pessoa de quem Lana está falando é culpada por seu trabalho ruim. A maneira como a música é estruturada indica que a culpa é colocada através de uma lente de narcisismo - que não é culpa dos escritores por não ter sido inspirada pela mídia, mas culpa da mídia por não ser inspiradora. A ironia é que não apenas foram criadas várias obras brilhantes e impactantes em resposta a tragédias recentes, mas a arte não precisa de inspiração nas notícias. Não há razão para que não se possa criar boa poesia sem a notícia, isso é apenas uma desculpa. Em entrevista à Vanity Fair, Lana disse: "Era estranho como esse título real chegou até mim. Eu estava tocando alguns acordes que Jack estava tocando para a faixa-título, que acabou sendo chamada de "Norman Fucking Rockwell". Era meio que um ponto de exclamação: então esse é o sonho americano, no momento. É aqui que estamos - Norman Fucking Rockwell. Nós estamos indo para Marte, e Trump é presidente, tudo bem. Eu e Jack, apenas brincamos constantemente sobre todas as manchetes aleatórias que poderíamos ver naquela semana, por isso é uma ligeira referência cultural. Mas não é uma coisa cínica, realmente. Para mim, é esperançoso, ver tudo como um pouco mais engraçado. O caos da cultura é interessante, e espero que haja espaço para que haja algum movimento e emoção dentro dela".
       
      "Bartender", apesar de ser despojado e relativamente simples, a batida permanece suave e suave do começo ao fim. Lana oferece vocais de som doce e letras um pouco enigmáticas que parecem ser sobre um interesse amoroso que ela metaforicamente chama de "barman". Lana também espalha alusões a como sua vida mudou ao longo do tempo; os exemplos incluem a afirmação de que ela não está consumindo álcool e a maneira como seu status de celebridade a obriga a se esforçar ao máximo para se “esconder” e ficar fora dos olhos do público. Instrumentalmente, o piano de Rick Nowels estrutura a maior parte da faixa de fundo, começando devagar, acelerando no refrão e depois diminuindo e fluindo pelo resto da música. Seu refrão pode ser uma referência à vida de Lana tentando escapar da mídia, como retratado anteriormente no videoclipe "High By The Beach" . Ela é retratada abatendo um helicóptero com muitos fãs vendo-o como tentando escapar dos paparazzi invadindo sua privacidade e mídia, procurando controvérsia. (''Comprar um caminhão no meio da noite'') pode ser uma metáfora para se esconder dos holofotes. Pessoas que ainda não sabem qual carro Lana dirige mais uma vez são paparazzis perseguindo-a a cada passo. Jogar cartas corretamente e comprar um ano pode significar recuperar sua privacidade, permanecendo no subsolo, como mencionado antes de comprar um caminhão no meio da noite. A gagueira no barman pode ser Lana imitando ou zombando do som de um clique de câmera, provavelmente pertencendo aos paparazzi, pois suas lutas de privacidade com eles se tornaram um tópico popular entre seus trabalhos recentes, como "High By The Beach" e "13 Beaches". Em janeiro de 2018, antes de lançar o álbum, Del Rey contou à Pitchfork sobre sua existência, além de dizer que queria fazer um videoclipe para ele: "Eu tenho algumas outras faixas [a serem lançadas em 2018]. Eu tenho uma faixa estranha chamada 'Bartender' que ainda não pertence a um álbum".
       
      Sua penúltima faixa, ''Happiness Is a Butterfly'', foi inspirada pelo romancista americano Nathaniel Hawthorne, que disse: "A felicidade é uma borboleta, que quando perseguida, está sempre além do seu alcance, mas que, se você se sentar em silêncio, pode pousar sobre você". Liricamente, Del Rey combina os ingredientes padrão de sua receita de marca registrada. Ela menciona destinos americanos icônicos, querendo dançar e sem ter certeza de sua importância para o homem a quem está se referindo. Ela tem medo de ser machucada e incapaz de alcançar uma felicidade genuína e duradoura. Em alinhamento com o resto deste álbum, a faixa de fundo é composta principalmente por pianos, com os vocais aveludados de Lana por cima. Seu pré refrão é uma referência para conhecer um novo homem em um encontro, ela está dizendo que se ele é um serial killer e a mata, não importa, porque ela já está tão machucada e quebrada que não se importa de ser morta. Aqui, no entanto, os papéis são invertidos. O homem de quem ela fala é "um serial killer", o que significa que ele não tem compaixão por ela. O descuido dele em relação a ela normalmente machucaria Del Rey, mas ela "já está machucada". Lana enfatiza como ela quer que esse relacionamento seja mais simples. Ela está cansada de chorar por causa dele e de ser mandada embora por esse relacionamento complicado, ela já teve o suficiente dessas complexidades e simplesmente quer dançar com ele - "Eu só quero dançar com você" - e segurá-lo na rua. Ela só quer se divertir com o parceiro e esquecer o lado conflitante do relacionamento deles.
       

      Youtube/Reprodução
       
      Mariners Apartment Complex
       
      Lana falou sobre uma mudança em sua vida e as decisões que tomou para alcançar a felicidade e se fortalecer. Na música, ela fala sobre ser o guia para outra pessoa que luta com algo que lidou no passado, além de "se perder" no mar, o que ela chamava anteriormente de "lugar de fuga" e a maneira como ela fechou o último registro dela [Lust For Life]. Lana agora se tornou o guia dessa pessoa. Ela está pronta para levá-lo e mostrar-lhe o caminho, vigiando-o como a figura protetora de um deus que exibe conhecimento e está pronto para ajudar em momentos difíceis. Ela já mencionou o tema do mar como um símbolo de liberdade e natureza selvagem: "Eu amo estar na água, para mim, como o mar aberto é um bom símbolo de me sentir livre, e sempre tento fazer o possível para me sentir selvagem e livre". Ela enfatiza como algumas pessoas podem ficar impressionadas com sua imensidão, tomar decisões erradas e se perder. No entanto, Lana diz que sempre encontrará o caminho de volta para ela. É importante notar, no entanto, que a figura do “marinheiro” é, acima de tudo, metafórica. Pode representar os fãs de Lana ou até ela mesma. Ao garantir quem ela é, ela sabe que é a única pessoa que pode se guiar de volta à paz e a um estado de espírito mais feliz. A praia tem sido um leitmotiv lírico na música de Lana Del Rey. Lana descreveu a praia como um lugar onde ela pode se esconder dos paparazzi e relaxar sem ter que se preocupar com a opinião pública ou qualquer outra pessoa que não seja ela mesma. Esse tema de "fuga" está presente no videoclipe de "High By The Beach", onde ela sozinha pega um helicóptero de paparazzi ou a letra de "13 Beaches" , uma história real sobre uma vez em que Del Rey teve que passe por 13 praias para encontrar uma onde ela possa ficar sozinha ( “Foram necessárias 13 praias para encontrar uma vazia” ). Além disso, o disco anterior de Lana, Lust For Life, concluiu com os sons da praia e do mar como o outro mais próximo de “Get Free”. O mar poderia então servir como a transição entre o final de seu último disco e o início deste novo, pois também está presente na primeira filmagem do videoclipe de "Mariners Apartment Complex".
       

      Youtube/Reprodução
       
      Venice Bitch
       
      Na faixa, Lana dá uma visão geral de si mesma e de seu homem vivendo da melhor maneira possível, com instantâneos de momentos felizes à medida que o tempo passa, a trama é uma extensão da faixa-título do álbum. "Venice Bitch" flui com uma sensação nostálgica, transformando-se em uma viagem psicodélica com elementos de rock suave como guitarras elétricas, sintetizadores e bateria. Nas letras, Lana se refere ao clássico rock psicodélico "Crimson and Clover", de Tommy James and the Shondells, um poema de Robert Frost, um álbum do padre John Misty e, claro, Norman Rockwell. "Venice Bitch" é um jogo de palavras em referência ao marco de Venice Beach, localizado em Los Angeles, Califórnia. A praia é conhecida por sua cultura boêmia, artistas de rua, murais artísticos e bancas alinhadas ao longo do calçadão. Como Lana Del Rey reside em Los Angeles, é provável que ela frequente o local por sua atmosfera artística e vibrações da praia da Califórnia. Seu refrão faz uma referência ao filme de 2005 Kiss Kiss Bang Bang. O neo noir acontece em Hollywood e Los Angeles e envolve mistério, assassinato e romance. Em conversa com Zane Lowe após a estréia da música no Beats Radio 1, Lana contou uma breve história por trás da música: "Foi engraçado quando joguei para meus gerentes. Eu estava tipo 'sim, eu acho que esse é o single que eu quero lançar', e eles disseram 'são 10 minutos, você está brincando comigo? Chama-se ''Venice Bitch'', como por que você faz isso conosco? Você pode fazer uma música pop normal de 3 minutos 'e eu fiquei tipo' não, no final do verão algumas pessoas só querem dirigir por 10 minutos e se perder na guitarra'."
       

      Youtube/Reprodução
       
      Fuck It i Love You / The Greatest
       
      Essa música é um hino de verão que incorpora as freqüentes referências sombrias ao sistema venoso e à morte. Lana diz as palavras "matar" e "veias" cinco vezes cada, mas também canta a linha do refrão titular "F--a-se, eu te amo" 15 vezes. Embora esteja explorando o grave assunto da mortalidade, ela ainda consegue mantê-lo leve, retornando rotineiramente ao amor e aos sonhos. Sonoramente, a faixa é uma das músicas mais rápidas do álbum, com a batida assumindo a forma de uma faixa de acompanhamento de ritmo constante de alta oitava composta principalmente por um violão, com bateria sendo tocada pelo primeiro refrão. Sua cabeça diz que esse é um relacionamento complicado e confuso que pode ser tóxico. Seu coração diz que isso é amor verdadeiro; quando, na realidade, pode ser o resultado de uma paixão. Ela está apanhada no momento, então diz "f--a-se" como um sinal de não se importar mais consigo mesma, mesmo que esse seja um relacionamento tóxico; por isso, ela insulta a palavra amor ao cantar 'f--a-se eu te amo '. Outra interpretação diz respeito ao conceito de apatia. O "f--a-se" infere um sentimento de deixar ir e simplesmente satisfazer os desejos; significado: “Eu não me importo com o que ele pensa se eu disser." No refrão, Lana presta homenagem à música "Dream A Little Dream Of Me", um padrão pop icônico originalmente escrito em 1931 durante a época da depressão nos Estados Unidos . Ele teve inúmeras versões gravadas ao longo dos anos por artistas famosos como Doris Day, Ella Fitzgerald e Louis Armstrong, com a versão de 1968 de Mamas e Papas se destacando como a mais conhecida. A referência de Lana poderia indicar algum tipo de paralelo entre a época em que a música foi originalmente escrita (The Great Depression) e os dias atuais. Nosso estado político atual , questões ambientais recorrentes e notícias distópicas também representam um momento de dificuldades, como muitos foram vistos anteriormente na história. Esses temas são encontrados na última parte de “The Greatest” , uma música que Lana propositadamente combinou com “Fuck it i Iove you”, dando a ele um vídeo de duas faixas para seu lançamento.
       
      Já em ''The Greatest'' Lana Del Rey expressa extrema nostalgia por relacionamentos, lugares e pela indústria da música do passado. Lana abre a faixa ansiando suas memórias com seu amante (ou ela mesma) em Long Beach - a segunda maior cidade do Condado de Los Angeles que serve como uma das paisagens ao longo do álbum. É também a cidade natal de Sublime, a banda que ela cobre em "Doin 'Time": "Estávamos filmando em Long Beach e eu fiquei tipo - sabe, nós também deveríamos fazer um vídeo rápido para essa música chamada “The Greatest” também porque esse é sobre Long Beach". A faixa também tem uma shade para Kayne West, o mesmo que descorou o cabelo loiro ela primeira vez em dezembro de 2016 - mas essa linha não é apenas sobre cabelos. Esta é Lana criticando as opiniões políticas de Kanye e dizendo que elas são como uma perda insubstituível de um herói que já foi mantido no alto. Dois anos depois de branquear os cabelos, depois de reclamações e mensagens de apoio no Twitter , West se encontrou com Donald Trump na Casa Branca, interrompendo a imagem que ele costumava ter como líder cultural que lutava por justiça , tornando-se apenas um troll que fica de pé por algum tipo de honestidade radical. Lana abordou esta linha em uma entrevista ao New York Times, dizendo que não havia recebido uma resposta de Kanye: "Aqui está a coisa: eu não quero obter uma resposta. Você nunca se sente melhor por ter escrito algo assim. Mas Kanye significa muito para nós. E, a propósito, sou grata por estar em um país onde todos podem ter suas próprias opiniões políticas. Eu realmente não sou mais liberal do que republicano - estou no meio. Mas era mais como o clima e a vibe ao redor, esse homem é o melhor! Realmente? O melhor? Isso me machucou. Eu tenho que dizer alguma coisa? Não. Mas é mais apenas uma linha que representa muitas coisas". Esta não é a primeira vez que Lana critica o apoio de Kanye à presidência de Donald Trump. Em 30 de setembro de 2018, ela escreveu um comentário em uma de suas postagens no Instagram, dizendo: "Trump se tornar nosso presidente foi uma perda para o país, mas seu apoio a ele é uma perda para a cultura. Só posso assumir que você se relaciona com a personalidade dele em algum nível - nada disso seria um ponto de discussão se não estivéssemos falando sobre o homem que lidera nosso país. Se você acha que é bom apoiar alguém que acredita que não há problema em pegar uma mulher pela b**eta só porque ele é famoso, você precisa de uma intervenção tanto quanto ele - algo que muitos narcisistas nunca receberão porque simplesmente não há ajuda suficiente para o problema. Mensagem enviada com preocupação que nunca será endereçada".
       

      Youtube/Reprodução
       
      Doin' Time
       
      A música, que na verdade é um cover da música de 1996 da banda americana Sublime, de mesmo nome, que é um cover de Summertime da ópera Porgy & Bess. Na versão original da música, em vez de usar a palavra "Summertime", dizia "Doin 'Time". Bradley Nowell faleceu após a versão original, então esse era o amigo de Bradley, Michael Happoldt, cantando, fazendo isso para que o Sublime limpe a amostra de Gershwin. Essa palavra se encaixa muito bem com Del Rey, pois é um assunto muito usado em sua música, e até um de seus maiores sucessos, "Summertime Sadness", tem a palavra no título. Bem como sua turnê pelo ''Ultraviolence'' , chamada Endless Summer Tour. É um aspecto e um tema que são levados em consideração desde seus anos como Lizzy Grant , um verão em que a vida é aproveitada ao máximo, vivendo como se não houvesse amanhã. Sublime começou a fazer música nos quintais por toda Long Beach, Califórnia. De acordo com muitas pessoas, há uma longa porcentagem que as fez se apresentar no quintal. LBC significa Long Beach, Califórnia, outras pessoas dizem que significa "Long Beach City". Ou, alternativamente, pode significar "Long Beach Crips", mas a banda não disse que tem um significado preciso. No entanto, eles significam a mesma coisa. Como explicado pelo CEO da Interscope, John Janick, Del Rey acabou fazendo a capa, já que a gravadora "estava envolvida na produção executiva do documentário ... e Lana estava falando sobre o quão grande ela era fã". Depois de gravar a faixa, "ela sentiu isso se encaixa na estética ”de seu próximo álbum Norman Fucking Rockwell! e decidiu incluí-lo na tracklist.
       
      No vídeo, Del Rey - como análogo da mulher gigante de 50 pés (Attack of the 50 Foot Woman) - aparece em locais espalhados por Los Angeles. No início do vídeo, Del Rey é encontrado reclinado em um canal vazio do rio Los Angeles, logo ao sul da Olympic Boulevard Bridge. Do outro lado da ponte, à direita da tela, fica o edifício Dependable Companies, com faixas horizontais. À esquerda da tela (sobre o ombro direito de Del Rey), o horizonte do centro de Los Angeles é visível, com a US Bank Tower como o pináculo.  Del Rey passeia pelas ruas Downtown, parando para checar o batom no reflexo de uma janela, na sala de ensaios superior do Los Angeles Theatre . Aliás, o prédio atrás dela não é o outro lado do teatro na vida real, como se pode ver no Google Street View. Depois de verificar seu reflexo, Del Rey é vista pisando a 101 Freeway ; no tornozelo direito, na crista do histórico Hollywood Tower Apartments , e não muito longe da perna esquerda, o reconhecível edifício ExtraSpace Storage que faz fronteira com a rodovia. Mais ao sul, aparece o histórico Capitol Records Building on Vine , o último ao qual Del Rey se refere em sua música "Burning Desire"do seu álbum ''Paradise''. Em seguida, Del Rey é visto atravessando o cruzamento da Windward Avenue e Pacific Avenue em Venice, CA, com uma réplica do icônico letreiro de Veneza de 1905 pendurado acima das ruas. À sua esquerda, aparece o histórico edifício do Banco de Veneza, em 1905, projetado e erguido pelo fundador de Veneza, Abbot Kinney . Del Rey continua para o sul na Windward Avenue, que, em questão de passos para um gigante, transborda para Venice Beach . No entanto, a cena repentinamente retrata Del Rey na praia de Santa Monica, seu horizonte reconhecível, incluindo uma vista da multi-história, 1299 Ocean Avenue em camadas e as montanhas de Santa Monica . O bairro de Bel Air está à vista parcial, talvez outra referência à música de Del Rey, “Bel Air”, fora do Paradise. Ela desliza a mão pela água do oceano e a câmera puxa para revelar a cena que se desenrola na tela de um drive-in. O gigante Del Rey olha na direção do píer de Santa Monica , apenas visível no canto inferior direito da tela do drive-in. À medida que a ação continua, uma versão de Del Rey como patrona do drive-in experimenta sua própria história. Enquanto isso, o Del Rey na tela brinca na areia. Ela então se levanta para dançar e, por fim, sopra areia dos clientes drive-in antes de sair da tela para o estacionamento para intervir com a história de drive-in de Del Rey. Quando seu trabalho é concluído, ela entra novamente na tela em que é vista mais uma vez em Downtown LA, 611 Place, de William Pereira, e Aon Tower, Charles Luckman por cima do ombro direito.
       

      Youtube/Reprodução
       
      Love Song
      Grande parte do álbum é sobre o relacionamento de Lana com outro poeta, que ela identifica como "Bill" no ''The Next Best American Record''. Existem muitas referências feitas à escrita de Bill, uma pode ser encontrada na ''Venice Bitch'' (“Você escreve, eu excursiono, nós fazemos funcionar”) e outra pode ser encontrada na faixa-título, ''Norman Fucking Rockwell'', em si (“Sua poesia está ruim e você culpa as notícias "e a descrição de Bill como um" poeta auto-aversivo "). Lana, também, é poeta e planeja lançar um livro de poesia em breve. Músicas e baladas, apesar de musicais, caem sob a égide da "poesia". Lana e Bill são poetas que parecem ter alguma experiência musical em seu currículo (no próximo melhor registro americano, Lana escreve sobre como "todas as meninas adoram do jeito que Bill toca violão”). No entanto, apesar de suas habilidades musicais e líricas, Lana é a única que está escrevendo sua canção de amor, o que indica uma espécie de amor unilateral. Lana está bem ciente disso, o tom da música é saturnino e agridoce e ela começa o refrão pedindo a Bill que retorne seus sentimentos (fortes) ("Seja minha única vez na vida"). Em certo sentido, essa música é ela e a canção de amor de Bill. É uma ode a se apaixonar por alguém que não se apaixona por você. O ritmo lento e a composição descomplicada da batida colocam as palavras no centro do palco, particularmente no refrão. Um piano suave e constante acentua os vocais de Del Rey, facilitando a faixa ao ouvido. Durante uma entrevista com a Rádio Altana 94.9 de San Diego, Lana deu uma breve história de fundo para a música: "...Então, eu fui lá em baixo, escrevemos uma música em cerca de meia hora e foi chamada de "Love Song". Foi um daqueles momentos em que você gosta de quando precisa de um namorado, tipo 'oh meu Deus', como se houvesse algo realmente bom aqui, como se devêssemos trabalhar aqui…"
       
      Cinnamon Girl
      Em "Cinnamon Girl", Lana Del Rey expressa sentimentos conflitantes sobre um relacionamento intenso e possivelmente doentio, enquanto implora ao seu interesse amoroso por nutri-la em vez de machucá-la. Nesta música, Lana faz alusão à sua história com os homens, enquanto justapõe temas como amor e doçura com coisas mais sombrias, como drogas e dor. Musicalmente, a música de fundo é tão viciante quanto as pílulas que Lana menciona nos versos. A batida constante do coro que imita as ondas de um oceano batendo na praia chega a um pós-coro eufórico que permite que Del Rey demonstre seu controle do alcance vocal. Esse homem recorre às drogas para uma "solução rápida" para escapar de seus problemas. Lana está ciente disso, e enquanto tenta estar lá para ajudá-lo a se recuperar; Ele não apenas se recusa a deixá-la tão perto dele, mas pode estar abusando dela como afirmado 'Violet, Blue, Green, Red' como um hematoma. Mas, Lana é uma mulher forte e feroz que é inesquecível. O que o faz finalmente se abrir e ela é deixada de volta. É um ciclo contínuo. No entanto, tomada literalmente, a sequência de cores também pode descrever o êxtase das drogas do partido, que geralmente ocorre em muitas cores diferentes. Considerando isso, e que o Safrole, o componente químico usado para fazer MDMA, é freqüentemente obtido das mesmas espécies de árvores usadas para fazer canela, podemos assumir que o êxtase é a droga de escolha para o homem de Lana. Em sua faixa de 2012 "Radio" (também conhecida como "Cinnamon"), Del Rey se refere à sua vida como "doce como canela", que por si só é doce e picante. Canela é o tempero perfeito para mostrar a transição de Lana dos dias mais sombrios no Ultraviolence para seu novo otimismo, como visto em ''Lust For Life'' e agora, ''Norman Fucking Rockwell!''.A música empresta seu título a um clássico de Neil Young. Embora o roqueiro envelhecido possa parecer uma influência improvável para Lana, ela também o referenciou em "Get Free" de 2017.
       
      How To Disappear
      Aqui Lana descreve seus sentimentos confusos e como esse cara parece incapaz de expressar seus próprios sentimentos. A música de Lana se baseia tanto em sua vida real quanto em histórias de ficção. Considerando que essa música começa bastante autobiográfica, esse versículo pode ser visto como uma sequência de sonho. Todos os outros homens com quem Lana esteve antes sempre mentiram para ela, mas esse homem mantém isso real. Ele não mente, mas ainda assim escolhe entrar e sair da vida dela sempre que quiser. Talvez ele tente compensar isso ocasionalmente, pensando que isso é bom o suficiente - mas ela está ciente e diz que ele está fingindo que ainda está lá. Complementando as falas anteriores, os 'caras' sempre escolhem drogas em vez de Lana, como forma de escapismo ou dependência; desaparecendo assim de sua vida.  Outro tópico recorrente na prolífica carreira de Lana, Lana sempre tentou convencer seus homens a se drogarem, como visto em ''Shades Of Cool'' e ''24'', mas falha em grande parte e acaba desaparecendo. O solo de guitarra antes do 3° verso atua como um dispositivo sonoro de contar histórias - um sinal de que o próximo verso é algo diferente. Esse versículo pode ser considerado uma sequência de sonho. Aqui, Lana canta como seu eu futuro, relembrando sua vida passada e como tudo com esse homem funcionou no final. É uma maneira otimista, porém sombria, de terminar a música, pois, afinal, é uma sequência de sonho fictícia.
       
      California
      Sua nona faixa está repleta de romance, arrependimento, nostalgia e referências pessoais a uma pessoa sem nome com a qual Del Rey compartilhou um vínculo intrincado. A música tem um motivo recorrente de patriotismo e devoção ao estado da Califórnia, com Lana ansiando desesperadamente por sua tradicional história de amor americana.  Sonoramente, "California" é uma das faixas mais lentas do álbum. Um piano sombrio e melódico compõe a maior parte da batida, com Lana alternando entre sua voz profunda e rouca com vocais mais suaves e agudos durante todo o tempo. Lana está dando um giro na história de Joni Mitchell em seu refrão do ponto de vista de um velho amigo ou ex-amante que está recebendo a pessoa na Califórnia. Ela provavelmente está se referindo a seu ex-namorado, cantor e compositor escocês, Barrie-James O'Neill, que contribuiu para seu álbum de 2014, ''Ultraviolence''. No início do verso, ela promete encontrá-lo na América se ele retornar do Reino Unido (onde O'Neill está localizado).
       
      The Next Best American Record
      Originalmente criado para aparecer no quinto álbum de estúdio de Del Rey, ''Lust for Life'', mas agora toma a forma da décima faixa de seu álbum. A nova versão apresenta um tema diferente, alterando drasticamente o pré-refrão e o refrão, mas mantendo os mesmos versos da versão demo que vazou em 27 de fevereiro de 2017 (também conhecida como “Architecture”). A paixão de Lana e de seu amante por criar o "próximo melhor disco americano" refere-se à obsessão mútua de alcançar a fama e viver o estilo de vida luxuoso dos detalhes de Lana em músicas anteriores, como "Fucked My Way Up To The Top" e "Money Power Glory". No entanto, a obsessão de Lana e seu amante com os despojos de viver como uma celebridade ocorre às custas de seu relacionamento e conexão romântica, pois eles não passam tempo se envolvendo um com o outro em um nível pessoal, evidente por eles darem tudo até que cama. A letra mostra Lana retratando cenas de romance e intimidade, enquanto ela leva o ouvinte a uma jornada de boas lembranças e nostalgia. Isso é apoiado por referências às cidades americanas clássicas Topanga e Malibu, e às icônicas bandas dos anos 70, Led Zeppelin e Eagles. A maior parte da batida por trás dos versos e pré-refrão é composta por um violão de som calmo, tocando uma sequência de coro em loop em teclas alternadas. Isso então culmina em um coro mais pesado e, mais tarde, em uma ponte quase acapella que transita para harmonizar as harmonias celestiais de Lana no topo.
       
      Hope Is a Dangerous Thing For a Woman Like To Me To Have - But i Have It
      Fechando o álbum e com fortes referências ao famoso poeta, romancista e escritor de contos americanos Sylvia Plath, uma das principais inspirações de Lana que é mais notavelmente mencionada no refrão da música. O título “A esperança é uma coisa perigosa” é uma citação do personagem Red (interpretado por Morgan Freeman) no filme da prisão de 1994, The Shawshank Redemption . No filme, ele diz: "Deixe-me dizer uma coisa meu amigo. A esperança é uma coisa perigosa. A esperança pode deixar um homem louco". Isso foi em resposta ao personagem de Tim Robbins, Andy, descrevendo como a música lhe deu esperança durante seu tempo em confinamento solitário. Lana muda de gênero a citação para levar ainda mais longe seu ponto de vista feminista, enquanto a menção de insanidade está relacionada à descrição de Lana de “brincar com a p-rra da camisola dela” e escrever com sangue nas paredes. É notável que The Shawshank Redemption foi originalmente escrito pelo autor contemporâneo de horror gótico Stephen King. Isso se conecta ainda mais com o tema literário norte-americano da música e com Norman Fucking Rockwell!.  Em uma entrevista à Revista BAAZAR em fevereiro de 2019, Lana explicou o significado por trás da "esperança" para ela na música: "Saber que não há problema em a cultura estar um pouco perturbada, e que, se pudermos nos basear nisso e tentar encontrar um fator unificador, essa é a grande vantagem. As coisas estão confusas há muito tempo, seja politicamente, culturalmente, pessoalmente. Ao longo dos tempos, todos tiveram suas próprias provações e tribulações. Então, sempre que fico estressada, lembro a mim mesma que é meio estressante. A vida é estressante. Quando me divirto mais é quando estou com meus amigos, minhas amigas, que eu tanto valorizo, apenas passando tempo com eles e mantendo tudo super simples. Quando não estou trabalhando, ou quando não estou fazendo shows, estou realmente no telefone, conversando no estilo da oitava série com meus amigos e alcançando".
       
       
       
      Publicado originalmente por mim em novembro/2019 no site Cubo Pop.

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    3. ESQUENTA VMA - O Conceito de Chromatica

      Durante seu programa de rádio na Apple Music, Gaga afirmou: "Eu escrevi as minhas letras mais pessoais em Chromatica, mais pessoais que o Joanne". Em várias entrevistas, inclusive, ela disse ter chorado intensamente enquanto o produzia. E você deve achar estranho! Como um produto tão pop, um EDM com batidas pesadas, foi capaz de levar Lady Gaga aos prantos? O que há por trás desse álbum que, aparentemente é mais um ato comercial de um astro mainstream? Qual é a sua proposta? Enquanto a performance mais aguardada da noite no VMA não chega, onde Gaga provavelmente realizará um medley de várias faixas do trabalho, te convido a embarcar comigo nessa viagem interplanetária rumo a Chromatica!
       

      Encarte Chromatica - Reprodução / Interscope Records /  Streamline / Universal Music
       
      Desde o início, a música de Gaga neste CD refere-se a uma experiência profundamente pessoal com seus problemas mentais. Alice inicia com um som de grito abafado, muito usado no cinema em cenas de queda, transe psíquico e teletransporte. Ao dizer: “Estou no buraco, estou caindo. Tão para baixo [...] Leve-me em uma viagem [...] Me liberte”, Gaga cai em Chromatica, é transportada para uma realidade alternativa onde tenta escapar de sua própria dor. “Você poderia me tirar disso viva? Onde está meu corpo? Eu estou presa na minha mente! Estou cansada de gritar [...].” A música se refere a uma mulher com problemas psíquicos, presa nos próprios pensamentos, precisando de salvação. A música vai libertar Lady Gaga de si mesma? Vai curá-la de sua agonia? Chromatica é sobre curar-se na pista de dança!
       
      Você pode notar isso em Fun Tonight, uma música que, de cara, provoca estranheza. Afinal, no momento em que o som faz parecer que vai explodir num dance frenético, Gaga diz: “eu não estou me divertindo essa noite!” e a música desacelera de propósito. Embora completamente dançante e empolgante, Chromatica é um álbum que fala de tristeza e dor. Experimente ouvir esta música de olhos fechados, imaginando-se numa boate, com as mãos pra cima, a música alta e você tentando esquecer seus problemas por uma noite. É essa a ideia que se deseja passar aqui, um álbum pop frenético, mas que possui uma profunda mensagem de cura pessoal.
       

      Youtube/Reprodução
       
      Em 911, por exemplo, Gaga fala de seu uso de medicamentos psicotrópicos durante crises nervosas. Caso não saiba, esse é o 190 dos EUA, número que você disca numa situação de emergência. “Meu maior inimigo sou eu, chame o 911”. Pessoas que convivem diariamente com ansiedade, como esse que vos fala, sabem como é a sensação de ser o seu próprio algoz, você entende que sua mente produz os sintomas que o fazem sofrer, mas não consegue fazer com que eles parem. "Engula um 911 e engula outro". O sofrimento psíquico é cíclico, o sujeito repete sintomas com alta frequência e se vê preso nesse movimento. Além de medicamentos, 911 pode ser entendido como o consumo de drogas ilícitas, em que Gaga por vezes recorreu tentando se ajudar. O assunto também é abordado em Replay, onde os seus traumas, fantasmas e cicatrizes se manifestam repetidamente, e a fazem sofrer.
       

      Youtube/Reprodução - Interscope Records / Streamline / Universal Music
       
      Com Rain on Me a ideia é permitir-se sentir essa tristeza. "Chover em mim" é uma clara referência a deixar a lágrima descer e aprender algo com isso. No clipe, Gaga tem uma faca enfiada na perna e ela representa sua dor física (fibromialgia) ao mesmo tempo que se remete a todo o seu sofrimento psíquico que a impedem de andar. Ao tentar tirar a faca da perna, a mesma se converte em água. Gaga nos diz que ao chorar, ela desfez sua dor. A música brinca com o som das palavras, fazendo os desavisados entenderem que ela diz numa passagem preferir estar bêbada (drunk) ao invés do que a letra realmente apresenta: estar seca (dry). Em entrevista para a Beats 1, soube-se que o verso remete às diversas vezes em que Gaga utilizou o álcool para lidar com a dor. Gaga e Ariana dividem igualmente o espaço vocal na canção. Uma mensagem de sororidade, onde duas mulheres se apoiam para lidar com seus traumas vividas na carreira, se materializando na amizade que construíram publicamente. A música foi lançada no mesmo dia em que Ariana lembra o atentado terrorista em seu show em Manchester, fortalecendo a mensagem de se permitir chorar e lidar com a dor de frente para que ela finalmente seja superada.
       

      Revista CARAS - Reprodução/Marcus Baby
       
      Em Plastic Doll, Gaga lembra da época de sua carreira em que se portava enquanto produto da indústria. "Eu vivi em uma caixa rosa por tanto tempo". Um produto que está sempre tentando agradar. "Eu sou o seu tipo?". Sempre cobrada para ser a ferramenta de divertimento idealizado dos fãs. "Não brinque comigo, isso só me machuca. Eu não sou uma boneca de plástico". Ao revelar-se enquanto alguém que sofre, numa referência ao Joanne, Gaga é questionada pelos fãs: "Quem te vestiu? [...] Onde conseguiu esse chapéu? [...] Parece tão triste". 
       
      Num álbum dance utilizado para exorcizar demônios interiores, Sine from Above é esse som que transmite a crença de Gaga em ser capaz de se curar através da música. Na letra, ela diz procurar um sinal do céu em seus momentos de sofrimento, mas nunca vê nada, ninguém a ajuda, suas preces não são ouvidas. Sua salvação só vem com a arte, na música. O sinal que vem do além quando ela precisou. “O som criou estrelas como você e eu”. Esse som que tornou ela e Elton duas lendas da indústria. “Antes de haver amor, havia silêncio. Eu ouvi um sinal e ele curou o meu coração”. Numa outra entrevista de rádio, Gaga fala de como tentou usar o Joanne para curar sua família. O Born This Way seria aquele trabalho de cura para os fãs imersos no sofrimento da não aceitação social?
       
      Espero que, agora, você possa voltar a ouvir o Chromatica para uma nova experiência. Nele, Gaga escancara toda a sua fragilidade enquanto nos entrega um pack de hinos pop deliciosos. Um álbum que é corajoso ao tratar de temas que, frequentemente são motivo de piada para aqueles que não conhecem a dor. Como alguém afetado pelas crises de pânico há anos e que convive com familiares que lidam com a fibromialgia, o Chromatica me soa familiar e profundo. Um lugar para o qual se pode fugir e lidar com a própria dor. Afinal, somos todos humanos "[...] sangrando de forma invisível".
       
      Com algumas citações de: GAGARADIO - Beats1 - Apple Music / Spotify

      • Dief
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    4. Manu Gavassi, um sucesso sem culpa

      (Manu Gavassi é a diretora e roteirista, Malu Gabatti, em clipe. Foto: Reprodução/Instagram)
       
       
       
      “Malu Gabatti”, era com esse nome que a cantora Manu Gavassi se apresentava nas redes sociais há duas semanas, muito antes de lançar o seu novo single, “Deve ser horrível dormir sem mim”, feat com a drag, e também cantora, Glória Groove. Uma estratégia um tanto peculiar. Diria até infantilizada, como apontaram alguns comentaristas de internet. Vestir um personagem blasé de repente, dar respostas estranhas e parecer uma adolescente com necessidade de atenção, são comportamentos que, certamente, trariam algum olhar de julgamento até dos maiores fãs. Mas a ex-BBB, atual Malu (talvez Manu), parecia saber muito bem o que estava fazendo. Permaneceu intacta no seu showzinho adolescente, que despontou em um sucesso incontestável.
       
      A música: uma confissão de si, um olhar autocentrado... Melhor, um irromper de um ego que precisa se sobrepor a uma decepção amorosa. “Meu estilo é clássico, amor para poucos” é um trecho que aparece alternando com passagens do tipo: “Talvez eu seja muito para você” e “Deixei até o livro que eu estava começando a ler só para te ver sofrer”. Os versos revelam uma mocinha que se viciou em cabernet, e que aparenta ter sentado para escrever algo, às duas da manhã, em um momento de embriaguez. Garotinha ousada!
       

      (Foto: Reprodução/Instagarm)
       
      Tanto a mágoa como o narcisismo foram convertidos em doses de ironia no clipe. Um tutorial de como fazer um vídeo pop perfeito é apresentado logo de início pela personagem criada por Manoela, que é arrogante e controladora. Um alter ego? Talvez. O estilo que surge aqui é o melhor da Miss Gavassi, aquele que a gente viu no BBB. Sim, o estilo clássico, com o humor ácido, meio Rita e meio Amelie.
       
      No entanto, essa marca aparece renovada, madura, com traços de superação, tudo ancorado pelo velho e bom marketing. Chay Suede, ex namorado da cantora e alvo de especulações sobre um possível envolvimento em uma traição sofrida por manuzita, se mostra no clipe. O ator representa um tipo bobo, o homem hétero vazio, que vale mais pelo corpinho e pelo rosto do que por qualquer outro atributo. Uau, parece que estamos falando de pessoas maduras, que brincam sobre si e dão a cara a bons tapas. De quebra, ainda geram um excelente buzz, ao som de boas batidas.
       
      O resultado rendeu elogios valiosos de famosos como, a diretora Amora Mautner, a atriz Letícia Sabatella, além de posições positivas nas plataformas de streaming. Porém, não fugiu do hate comum no mundo virtual. Alguns dos que estavam torcendo o nariz antes, se renderam, outros permaneceram firmes na ideia de julgar mal. O fato é que a menina excêntrica, carente de atenção e birrenta, demonstrou ter Inteligência, perspicácia e muita criatividade. Provou confiar no seu trabalho e fez jus a um bom planejamento, tudo isso com muita emoção. Afinal, o que constrói um grande artista se não um bom marketing aliado à habilidade de explorar suas emoções? Deve ser incrível colher os resultados e dormir sem culpa.

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